Coluna Arilda: Giovanni Bocchi, o artista brasileiro que estÁ conquistando o mundo

Giovanni Bocchi é um artista gaúcho renomado, conhecido por suas obras que retratam navios antigos, arquitetura clássica e mapas de época. Com uma técnica impecável e um estilo único, Bocchi conquistou o mundo da arte com suas criações que misturam história, beleza e emoção.

Nascido em Porto Alegre e morador de Gramado, Giovanni começou a desenhar aos 3 ou 4 anos e, ao longo da carreira, desenvolveu um estilo próprio, inspirado em artistas como Da Vinci, Michelangelo e Gaudí. Suas obras são reconhecidas pela precisão e detalhe, e podem ser encontradas em sua galeria de arte em Gramado, que ele fundou em 2015.

Nesta entrevista, Giovanni Bocchi compartilha sua visão sobre a arte, sua trajetória, suas influências e seus projetos futuros. Ele também fala sobre sua experiência internacional, incluindo sua exposição no Museu do Louvre, em Paris, e como a arte pode influenciar a sociedade e a cultura.

– Como você descreveria seu estilo artístico e como ele evoluiu ao longo da sua carreira?

Meu estilo é essencialmente baseado no desenho minucioso em bico de pena com nanquim, com forte ênfase em embarcações, mapas históricos e arquiteturas monumentais. Sempre busquei uma estética que dialogasse com a cartografia antiga e com a precisão da engenharia náutica. Ao longo da minha carreira, meu traço evoluiu para um nível cada vez maior de detalhamento e composição narrativa. No início, minhas obras eram mais focadas na representação técnica; com o tempo, passaram a incorporar também elementos simbólicos, históricos e poéticos, transformando cada desenho em uma espécie de documento artístico do tempo e da memória.

– Você tem sempre um significado ou uma história por trás de cada obra sua?

Sim. Para mim, nenhuma obra nasce apenas como um exercício estético. Cada desenho carrega uma narrativa, uma referência histórica ou uma reflexão sobre a trajetória humana. Quando desenho um navio, por exemplo, não estou apenas representando uma embarcação; estou evocando viagens, descobertas, civilizações e sonhos. A arte, para mim, é uma forma de contar histórias através da linha.

– Como você equilibra a criatividade com a técnica e a precisão em seu trabalho?

O equilíbrio entre criatividade e técnica é fundamental no meu processo. A técnica me dá disciplina, controle e fidelidade aos detalhes. Já a criatividade permite que a obra tenha alma. O bico de pena exige muita precisão, então eu desenvolvi uma metodologia de trabalho muito rigorosa. Dentro dessa estrutura técnica, permito que a imaginação conduza a composição, criando cenários e relações entre os elementos desenhados.

– Qual é o seu processo criativo?

Meu processo começa com pesquisa e observação. Estudo referências históricas, arquitetônicas e náuticas. Depois faço esboços iniciais para entender a composição. Quando a ideia amadurece, começo o trabalho definitivo em nanquim. A partir desse momento, o processo se torna quase meditativo, porque cada linha precisa ser pensada com muito cuidado.

– Como você desenvolve uma ideia até torná-la uma obra de arte?

Primeiro surge a ideia central, muitas vezes inspirada por história, geografia ou arquitetura. Em seguida, faço estudos visuais e estruturais. Depois elaboro um desenho base que define proporções e perspectiva. Só então inicio o trabalho final em bico de pena. É um processo lento, que exige paciência e precisão, mas é justamente essa construção gradual que dá profundidade à obra.

– Como você lida com a crítica e o feedback sobre seu trabalho?

A crítica faz parte da trajetória de qualquer artista. Eu procuro sempre ouvir com respeito e discernimento. Algumas críticas ajudam a enxergar novas possibilidades, enquanto outras apenas refletem percepções pessoais. O mais importante é manter fidelidade à própria visão artística.

– Qual é o seu maior desafio como artista e como você o superou?

O maior desafio foi consolidar um estilo tão específico em um mercado artístico muitas vezes voltado para tendências mais imediatas. Trabalhar com desenho técnico detalhado exige tempo e dedicação, e nem sempre isso acompanha o ritmo do mercado. Superei esse desafio acreditando na autenticidade do meu trabalho e mantendo constância na produção. Ser reconhecido no meu país também é um desafio.

– Como foi a experiência de expor no Louvre Museum por três anos consecutivos? O que isso significou para você como artista?

Expor no Louvre foi uma experiência profundamente marcante. Estar em um espaço que abriga alguns dos maiores tesouros da história da arte é algo que transforma a percepção que o artista tem do próprio trabalho. Para mim foi um reconhecimento internacional muito significativo, mas também um momento de grande reflexão. Estar ali reforçou a responsabilidade de continuar produzindo arte com seriedade, respeito à tradição e compromisso com a excelência.

– Quais são as principais influências artísticas em sua trajetória?

Minhas influências vêm principalmente da tradição do desenho clássico, da cartografia histórica e da arquitetura. Sempre admirei artistas que uniam arte e conhecimento científico. Também fui muito influenciado por gravuras antigas, mapas renascentistas e ilustrações náuticas que documentavam grandes explorações.

– Dado o seu estilo de mapas e arquiteturas, qual é a importância dos grandes maestros como Leonardo da Vinci, Michelangelo ou Antoni Gaudí? Qual foi a inspiração e influência deles no seu estilo?

Esses mestres representam a união entre arte, ciência e visão. Leonardo da Vinci sempre me inspirou pela capacidade de observar o mundo com curiosidade científica e traduzir isso em desenho. Michelangelo mostrou a força do rigor técnico e da monumentalidade artística. Já Antoni Gaudí demonstra como a arquitetura pode se tornar poesia visual. Todos eles, de formas diferentes, reforçam a ideia de que a arte não é apenas expressão, mas também construção intelectual.

– Como você vê a evolução da arte ao longo da história? Qual é o seu período favorito?

A arte evolui junto com a humanidade. Cada período reflete os valores e os questionamentos de sua época. Tenho uma admiração especial pelo Renascimento, porque foi um momento em que arte, ciência, filosofia e engenharia caminharam juntas. Foi um período em que o conhecimento humano buscava harmonia e proporção.

– Você já visitou museus ou exposições que trouxeram inspiração para novas obras?

Sim, muitas vezes. Visitar museus é quase um ritual para mim. Caminhar entre obras históricas permite perceber como cada artista dialoga com seu tempo. Muitas ideias surgem justamente nesses momentos de contemplação.

– Qual é a sua opinião sobre a arte contemporânea e o papel da tecnologia?

A arte contemporânea ampliou muito as possibilidades de linguagem. A tecnologia trouxe novas ferramentas e novos meios de expressão. Eu vejo isso como algo positivo, desde que a inovação não substitua a essência da arte: sensibilidade, pensamento e identidade artística.

– Como você gostaria de ser lembrado no futuro?

Gostaria de ser lembrado como um artista que dedicou sua vida à precisão do desenho, à valorização da história e à beleza das grandes construções humanas. Mais do que reconhecimento, espero que minhas obras continuem despertando curiosidade, contemplação e respeito pela arte do desenho detalhado.